Добавьте слово «дизайн» к названию страны – и вы сразу представите себе образ или эстетику. Скандинавский дизайн – спокойный, разумный минимализм; голландский дизайн – смелый, часто концептуальный подход. Если вы услышите что-то про Швейцарию, то подумаете о строгой типографике.
Увы, у нас нет таких ярких ассоциаций с уругвайским дизайном. Но, как свидетельствует платформа Gráfica Ilustrada del Uruguay (GIU), история графического дизайна в Уругвае захватывает и заслуживает изучения. Вы наверняка слышали о дизайнерах из Южной Америки меньше, чем их американские и европейские коллеги. Долгое время – почти до конца XX века – графический дизайн в Уругвае не признавался термином (тем более профессией).
На все это накладывалась нехватка материалов и инструментов – из-за экономических кризисов, которые переросли в переворот 1973 года.
Поиском истории дизайна занимается дизайнер
Главный вывод из предыдущего абзаца: то что вы не знаете об уругвайском дизайне, не значит, что его нет. Долгие годы дизайнер Мартин Азамбужа находил работы уругвайских дизайнеров середины века на Flickr и в различных блогах. Именно он и стал основателем GUI – Мартин просто хотел продемонстрировать свои находки и рассказать об истории дизайна.
«Если вы учились дизайну в Уругвае, то почти не ориентировались на местные работы. Мы не понимаем и не можем оценить эпоху целиком».
Вместе с несколькими друзьями из собственной студии Estudio Mundial, Азамбужа приступил к созданию платформы, которая демонстрирует старую и редкую графику родом из Уругвая. Период – от 1950 до 1980 года.
Некоторые дизайнеры этого периода все же добились некоторого признания, но о большинстве из них не слышали даже в Уругвае. Во-первых, это произошло по естественным причинам: многие дизайнеры эпохи уже скончались, оставив свои работы либо на попечение семей, либо их просто потеряли из-за времени.
Еще одна причина – сильный крен уругвайского образования в сторону США и Европы.
Когда я учился в университете, некоторые из моих учителей узнавали найденные мной работы – авторами были их друзья или знакомые. Но их работы нигде не публиковались, – рассказывает Азамбужа. – Долгое время нашу работу не признавали, а потому и в истории ее нет.
Чтобы найти больше работ середины прошлого века, Мартин изучал все: от принтов на пластинках до слухов от знакомых дизайнеров. Ситуацию упростил географический факт: Уругвай – маленькая страна, поэтому найти общие контакты с нужными людьми было гораздо проще.
«Мы находили дизайнеров, которые знали других дизайнеров – и так по цепочке до людей, который занимались креативом несколько десятилетий назад».
Но почему именно эти три десятилетия?
«Estudio Mundial увлекается смешением графического дизайна и иллюстраций – именно этим занимались художники той поры, – говорит Азамбужа. – Выразительность рисунка усиливает нашу идею, что рисунок может нести много разных аспектов и что его можно использовать как основу графического дизайна.
Для нас было очень важно взглянуть на работу, сделанную в докомпьютерную эпоху. Кажется, после появления ПК все ушли в другую сторону. Дизайнеры начали играть с градиентами, эффектами и подобными вещами, но мы всегда предпочитали работу, созданную до компьютеров».
Этот подход виден во многих работах, которые Азамбужа собрал в свою коллекцию. Например, плакат с изображением Христа, открытки с Санта-Клаусом и многое другое.
Несмотря на закрытость Уругвая, эти работы создавались не в вакууме. В архиве можно найти много работ, созданных под польским влиянием – в Южной Америке много мигрантов из Польши. Азамбужа также предполагает, что румынский мультипликатор Саул Стейнберг, наиболее известный своими работами для The New Yorker, оказал большое влияние на то, как уругвайские дизайнеры подошли к цвету, композиции и дизайну персонажей. В работе также угадывается типографика, пришедшая в то время в Уругвай из Италии, Франции и Испании.
Возможно, главное событие, о котором сообщали уругвайские дизайнеры середины 20-го века – это ограничения, с которыми они столкнулись. Один из наиболее известных уругвайских дизайнеров Орасио Аньон известен тем, что использовал ярко-оранжевый цвет – но не потому, что он ему нравился. Просто он получался лучше при печати, а других вариантов особо не было.
«Чернила приходили им в огромных банках и были всего нескольких цветов. Поэтому особо выбирать не приходилось – приходилось проявлять фантазию и смешивать, экспериментировать».
Это «творчество в ограничениях» хорошо иллюстрируется на плакате для Hot Club (выше).
«Он обладает огромной силой: один цвет, потому что других нет, дает больше, чем разнообразие. А еще мы буквально видим музыку».
Графические дизайнеры даже не использовали термин «графический дизайн» – вместо этого считали себя мультипликаторами. Они начали использовать термин, увидев его в немецком журнале Novum.
«Их ограничения излучают очень мощный и узнаваемый собственный язык, – добавляет Азамбужа. – На них дизайнеры построили свою работу, и это отличный урок».
Еще немного истории:
Видео подборка: история современного искусства и дизайна
Фотопроект: татуировки исчезают при мокроколлодионной фотографии
